Mit Love & Hyperbole hat die kanadische Singer-Songwriterin Alessia Cara heute ihr viertes Studioalbum veröffentlicht. Wir baten die Musikerin zum Gespräch und erfuhren viel über ihren Schaffensprozess.
Wir schreiben das Jahr 2021. Alessia Cara hatte gerade ihr Album In The Meantime veröffentlicht. Cara, die drei Jahre zuvor als erste Kanadierin überhaupt den Grammy für „Best New Artist“ gewonnen hatte, machte sich noch im selben Jahr an die Arbeit an dem Nachfolgealbum. Es sollte eine Weile dauern – drei Jahre, um genau zu sein.
Im Juli 2024 veröffentlichte Cara dann ihre neue Single Dead Man – ein Schlüsselstück des neuen Albums und ein Song über das Ende einer Beziehung. Einige Monate später folgte dann Single Nummer zwei, Isn’t It Obvious – für die niemand Geringeres als US-Superstar John Mayer ein Gitarrensolo beisteuerte.
Nun ist es endlich so weit: Love & Hyperbole ist da. Für das neue Album habe sie einige Dinge lernen und andere verlernen müssen, erzählt uns Alessia Cara im Gespräch. Vieles habe sich geändert, neue Perspektiven seien hinzugekommen – und eine Spontaneität, die diese Platte für sie besonders mache.
Alessia, wie fühlt es sich an, nach zwei Jahren endlich wieder neue Musik zu veröffentlichen, erst mit der Single Dead Man und auch mit dem Album?
Es fühlt sich wirklich gut an. Es kommt mir vor, als wäre es eine sehr, sehr lange Zeit gewesen. Und dieses Mal fühlt sich alles ganz ehrlich gesagt ganz anders an. Ich weiß nicht genau, woran es liegt, aber ich habe das Gefühl, als hätte ich eine Art Reset-Knopf gedrückt. Aber ich bin wirklich aufgeregt.
Kannst du ein bisschen über den Entstehungsprozess der neuen Songs sprechen? Wie kam das Material zustande? Wann hast du angefangen? Wann wusstest du, dass es Zeit war, den kreativen Prozess wieder zu starten?
Nun, nach meinem letzten Album-Zyklus habe ich mir eine Weile eine Auszeit genommen, in der ich überhaupt nicht geschrieben und kaum Musik gehört habe. Ich fühlte mich irgendwie sehr von meiner Identität als Künstlerin und von der Musik allgemein entfremdet. Es hat lange gedauert, bis ich wieder hineingefunden habe. Aber als ich dann wieder angefangen habe zu schreiben, habe ich gemerkt, dass ich anfing, eine Geschichte und ein Album zu formen. Ich glaube, ich wusste, dass es Zeit war, zurückzukehren, als ich mich wieder emotional mit mir selbst und meiner Identität als Künstlerin verbunden fühlte. Ich musste einige Dinge neu lernen und andere wieder verlernen. Aber es fühlte sich einfach richtig an, wieder zurückzukommen.
Love & Hyperbole für dein Plattenregal:
Welcher Song war der erste, an dem du für das neue Material gearbeitet hast? Dead Man?
Interessanterweise war Dead Man tatsächlich einer der letzten Songs, die ich für das Album geschrieben habe. Ich kann mich nicht genau erinnern, welcher Song der erste war, aber ich habe zuerst eine Menge Songs geschrieben, die es nicht auf das Album geschafft haben. Ich musste definitiv einige mittelmäßige Songs durchstehen, um zu den guten Sachen zu gelangen. Dead Man war definitiv einer der späteren.
Kannst du etwas über deinen Songwriting-Prozess erzählen? Hast du einen festen Ablauf oder variiert er? Wie gehst du vor?
Es variiert definitiv. Für dieses Projekt habe ich versucht, jedes Mal den gleichen Ansatz zu verfolgen, anstatt wie früher schon fertige Songs mitzubringen. Ich wollte diesmal wirklich im Raum schreiben, ohne ein fertiges Konzept im Kopf zu haben. Früher war ich als Songwriterin sehr schüchtern und hatte Angst, schlechte Ideen zu zeigen. Diesmal habe ich versucht, diese Gedanken loszulassen und im Moment zu schreiben, ohne mich darum zu kümmern, ob die Idee vielleicht nicht so gut ist. Es war sehr befreiend, einfach im Raum zu schreiben und zu sehen, wohin die Energie mich führt.
Wann kommt normalerweise ein Produzent ins Spiel?
In diesem Fall war es so, dass ich entweder Produzenten kontaktiert habe, mit denen ich arbeiten wollte, oder mein Team Vorschläge gemacht hat. Ich bin oft ohne konkrete Ideen ins Studio gegangen und habe einfach mit den Produzenten zusammen etwas Neues gestartet. Es war eine sehr natürliche und spontane Zusammenarbeit, bei der die Produzenten von Anfang an stark involviert waren. Statt wie früher einen Stapel Songs zu haben und dann Produzenten zu finden, war es diesmal so, dass wir zusammen ganz von vorne angefangen haben. Das war wirklich eine spannende Erfahrung, einfach ins Studio zu gehen, ohne eine fertige Idee, und zu sehen, was dabei herauskommt.
Es scheint, als sei eine starke Chemie zwischen dir und dem Produzenten notwendig, wenn ihr von Grund auf gemeinsam arbeitet, oder?
Absolut. Es braucht oft ein bisschen Zeit, bis man die richtige Chemie findet. Manchmal dauert es ein paar Tage, bis etwas Magisches passiert. Es hängt sehr vom Tag und der Inspiration ab. Aber wenn es passt, dann entsteht wirklich Großartiges. Es ist wirklich eine Frage von Versuch und Irrtum, aber es lohnt sich, wenn man am Ende etwas wirklich Besonderes schafft.
Kannst du etwas über die Zusammenarbeit mit Mike Elizondo erzählen, mit dem du an Dead Man gearbeitet hast?
Mike ist großartig. Ich habe viel mit ihm an diesem Album gearbeitet. Er kam ins Spiel, als viele Songs schon fertig waren, aber ich fühlte, dass noch etwas fehlte. Er ist ein unglaublich talentierter Musiker und Produzent, der mich oft herausgefordert hat, was wirklich spannend war. Er hat klare Vorstellungen und das hat mich dazu gebracht, auch meine eigenen Ideen stärker zu vertreten. Es war eine wirklich produktive Zusammenarbeit, bei der wir uns gegenseitig herausgefordert haben.
Du hast mit vielen verschiedenen Produzenten und Künstlern zusammengearbeitet. Wie beeinflusst dich das?
Es ist definitiv interessant. Einerseits würde ich gerne ein Album mit nur ein oder zwei Produzenten machen, aber andererseits liebe ich es, mit verschiedenen Menschen zu arbeiten. Es ermöglicht mir, neue Arbeitsweisen zu lernen und meinen Horizont zu erweitern. Jeder, mit dem ich arbeite, bringt etwas Neues ein, und das ist sehr bereichernd. Besonders weil ich viel gereist bin und in verschiedenen Städten gearbeitet habe, habe ich so viele unterschiedliche Perspektiven gewonnen.
Hast du manchmal Schwierigkeiten, den Überblick über den kreativen Prozess zu behalten, wenn so viele verschiedene Einflüsse und Ideen zusammenkommen?
Zu einem gewissen Grad vielleicht, aber der gemeinsame Nenner bin immer ich, die die Texte schreibt. Meine Stimme und mein Stil bleiben gleich, egal was musikalisch darunterliegt. Das sorgt für Kohärenz im Album. Ich denke, wenn ich mit verschiedenen Songwritern arbeiten würde, könnte es chaotisch werden, aber weil die lyrische Stimme immer meine ist, bleibt es zusammenhängend.
Kannst du etwas über den erzählerischen Aspekt des Albums erzählen, zum Beispiel über Dead Man, das von einer zerbrechenden Beziehung handelt?
Dead Man handelt davon, wie man eine Beziehung betrauert, bevor sie tatsächlich endet. Einerseits will man festhalten, aber andererseits weiß man tief im Inneren, dass es nicht funktionieren wird. Ich habe dieses Gefühl schon oft erlebt, und ich denke, es war wichtig, dieses Kapitel in der Geschichte zu erzählen. Ich glaube fest daran, dass man erst, wenn man Verlust und Schmerz akzeptiert hat, wirklich Liebe und Freude erleben kann. Diese Erfahrungen sind entscheidend, um zu verstehen, was man in Zukunft will und was nicht.
Ein weiterer bemerkenswerter Song ist Fire. Kannst du den Entstehungsprozess dieses Songs erläutern?
Fire ist einer meiner Lieblingssongs auf dem Album, und einer der Lieblingssongs, die ich je gemacht habe. Es war eine sehr spontane und organische Entstehung, bei der es um reines Glück und Freude in einer Beziehung ging. Wir haben einfach aufgenommen und improvisiert, und es hat sich sehr natürlich angefühlt. Es war einfach eine wunderschöne Erfahrung, bei der alles sehr schnell und organisch zusammenkam.
Wie unterscheidet sich dein kreativer Prozess heute im Vergleich zu den Anfängen deiner Karriere?
Vieles hat sich verändert. Ich weiß jetzt viel klarer, was ich will, und fühle mich viel selbstbewusster und kontrollierter im Studio. Früher war ich oft zu schüchtern, um meine Ideen durchzusetzen, aber jetzt weiß ich, was ich will, und arbeite daran, bis es perfekt ist. Früher hatte ich nicht die Erfahrung oder das Selbstvertrauen, meine Ideen wirklich zu vertreten, aber jetzt fühle ich mich in meiner Rolle als Künstlerin viel sicherer.
Wie gehst du mit den Erwartungen um, die mit deinem Erfolg einhergehen, sowohl deine eigenen als auch die der anderen?
Ich versuche, diese Erwartungen während des kreativen Prozesses auszublenden. Es ist wichtig, aus einem ehrlichen und authentischen Ort heraus zu schreiben, ohne ständig darüber nachzudenken, wie erfolgreich ein Song sein könnte. Wenn man zu viel darüber nachdenkt, was andere denken könnten oder wie erfolgreich ein Song sein wird, blockiert man sich selbst. Man wird nie aus einem ehrlichen Ort heraus schreiben, wenn man nur versucht, sicher zu sein und das zu tun, was funktioniert. Natürlich denke ich manchmal an meine Fans und hoffe, dass sie die Musik mögen, aber ich versuche, das nicht in den Vordergrund zu rücken. Es geht darum, mich selbst herauszufordern und das zu tun, was sich für mich richtig anfühlt.
Wie entscheidest du, wann ein Song fertig ist?
Es ist nie einfach, das zu entscheiden. Ich tweake und perfektioniere ständig, aber irgendwann muss man einfach loslassen und vertrauen, dass es gut ist. Es fühlt sich ein bisschen so an, als würde man sein Kind zum ersten Mal zur Schule schicken – man weiß, dass es das Richtige ist, aber man hat trotzdem dieses Gefühl, dass man noch mehr tun könnte. Aber irgendwann muss man es einfach loslassen.
Wie fühlst du dich, wenn du deine alten Alben anhörst?
Ich finde es sehr schwer, meine alten Songs zu hören, ohne zu denken, dass ich Dinge hätte anders machen sollen. Deshalb höre ich meine Musik nach der Veröffentlichung nur selten an. Besonders bei meinen frühen Werken denke ich oft, dass ich mehr Zeit hätte investieren sollen oder dass ich bestimmte Dinge anders hätte machen sollen. Aber mit jedem Album habe ich mich weiterentwickelt, und bei diesem neuen Album habe ich das Gefühl, dass ich es wirklich bis zu dem Punkt gebracht habe, an dem es sich für mich fertig anfühlt.
Wie lange hat der Prozess für dieses Album gedauert?
Etwa zweieinhalb bis drei Jahre, was das längste ist, was ich je an einem Album gearbeitet habe.
Und wie gehst du jetzt, da das Album fertig ist, daran, es live zu spielen?
Ich denke, dieses Album wird das interessanteste sein, um es live zu spielen und zu übersetzen, weil viele der Songs, wenn nicht sogar alle, überwiegend mit Live-Instrumenten aufgenommen wurden. Es gibt sehr wenig „zeitgenössische“ Produktion auf diesem Album. Ich wollte, dass es sich so anfühlt, als würde man einer Band live im Raum zuhören. Das wird also auch live auf der Bühne spannend, weil ich glaube, dass es dadurch größer und intensiver wirken wird als bisher. Es gibt auf diesem Album auch viele komplizierte Akkordfolgen und intricate Sounds, die die Konzerte sicherlich frisch und aufregend machen werden. Ich freue mich sehr darauf, das live umzusetzen.
Gibt es noch etwas, worauf du dich in der kommenden Zeit besonders freust?
Es gibt so viele Dinge, auf die ich mich freue. Natürlich freue ich mich darauf, das Album zu touren und die Songs live zu spielen, aber besonders freue ich mich darauf, die Hörer:innen wiederzusehen, die ich schon so lange nicht mehr gesehen habe. Es wird unglaublich aufregend sein, diese neuen Songs live zu spielen und die Menschen zu sehen, wie sie die Texte mitsingen. Dieses Album ist mein bisher liebstes, und es wird besonders bedeutungsvoll sein, es mit den Fans zu teilen und ihre Reaktionen zu erleben. Abgesehen davon lasse ich mich überraschen, was noch auf mich zukommt. In diesem Job weiß man ja nie genau, was als Nächstes passiert, und das ist das Spannende daran.
